畫面的元素看來單純，但製作過程卻一點也不簡單。有別於一般極簡繪畫訴求的絕對平整，他的畫作表面有一種近似陶瓷冰裂紋的細紋，另有意趣。為了成就那樣的質感，他無法使用現成的畫布，得從畫布的基本處理開始，以Gesso打底石膏多次堆疊並打磨後，才能開始上色，細部紋理便來自那樣的層層手工，「我想讓很平靜的表面，能有更多細膩的溫度和質感的變化，呈現吸引人的魅力，我的作品有點溫度在裡面，好像有一盞小火在醞釀，等待發酵的過程。」

這樣的作品魅力除了來自毫不含糊的細節處理，畫面選色也自成一趣。他的畫作常以兩種主色作為畫面色彩，沒有強烈的衝突對比，卻有相映成趣的韻致，但若以溫和形容他的作品，他又會搖搖頭說不止於此。作畫過程中，他會花很久的時間決定配色，長久累積下來，自成系統，「我就是喜歡把顏色的彩度降低，為了讓它有色彩魅力，讓它有一種時間感。」他認為高彩度的鮮豔色彩代表的是一種「剛出爐」、純粹而新鮮的感覺，自認是老靈魂的他，著迷的事物則需帶有時光塵埃累積的深沉感，「我希望顏色稍微內斂一點，不要一眼被看穿，有一些更細的色差在裡面，我希望色彩上有這樣的魅力或變化。」

在抽象的道路上持續探索，獲頒第15屆「李仲生基金會視覺藝術獎」的他，藝術成就已備受肯定。而他的畫作表面層疊起的不只是幾經處理的物質材料，還有他的生命經歷，乘載著己身的歷史。過去這些年，他曾前往法國、蘇格蘭和紐約駐村，每一次的旅居經驗，點點滴滴都化為創作中的線索。例如蘇格蘭的自然環境，便啟發了他的Color Lines系列，而相較於巴黎花都為他開啟的細膩感官經驗，連接紐約曼哈頓與布魯克林區的霸氣大橋，則讓他產生了幾幅垂直水平構圖的作品。

12月底甫開幕、以「未定物」為名的展出，是他目前為止最大的一次個展，展題呼應了他面對時間長流、人類歷史與己身的存在感觸，「就人類的文明而言，我覺得過去的東西可能是我們經歷過的一小部分而已，這次我想探索的那個東西，其實是把時間點拉到「最原始是什麼」的那個地方，但若沒有我們地球一年、一天的定義，我們便不知道那是什麼。我覺得我的繪畫，也想要探討關於時間的問題，它是不知該如何被定義的。它有可能被轉移到不同的時間或場域，產生的關係或對話。」他的作品一如時光中的切片浮動，這次除了他過去長期發展的大幅畫作，還有多幅以小尺寸作品所拼湊的「Little Blocks」與「Little Symbol」創新系列，15公分見方的小格畫，與空間產生更活潑的互動感，值得細細玩味。

吳東龍個展「未定物」於双方藝廊展出，展期至2月1日止。